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Vignette emotive, paure condivise, mondi interiori.

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Ci sono dischi che nascono da un’urgenza personale e finiscono per parlare a un’intera comunità emotiva. “Visitor“, l’ultimo lavoro degli Yea Big, appartiene a questa categoria: un album che parte da un dolore privato, da un senso di isolamento, e si espande fino a toccare ansie collettive, incertezze politiche, paure che attraversano gli Stati Uniti e non solo. La loro musica è fatta di texture che sembrano immagini, di personaggi che diventano specchi, di suoni che raccontano più di quanto dicano le parole.  

Abbiamo parlato con Ellie, Derek e Shay per capire come nasce questo mondo narrativo e sonoro.

“L’album sembra attraversare un paesaggio emotivo molto intenso. In che stato d’animo eravate durante la composizione?”

“Il paesaggio emotivo di questo album si è evoluto man mano che la produzione avanzava. In origine, molte canzoni erano state scritte per elaborare sentimenti molto personali di isolamento e crepacuore durante un periodo particolarmente tumultuoso della mia vita. Con il progredire delle registrazioni, però, l’attenzione si è spostata verso sensazioni più esistenziali di incertezza e paranoia, derivanti dalle instabilità qui negli Stati Uniti.”

“Nei testi si percepisce una forte componente narrativa. Come si intrecciano emozioni personali e storytelling?”

“La scrittura e la composizione sono partite dalle emozioni personali, dai ricordi, ecc., quindi questi elementi sono sempre stati al centro delle canzoni. Sono insicura nel mostrare apertamente i miei sentimenti nei testi, e credo che sia da qui che nasce la componente narrativa. Mi sento più a mio agio quando spoglio le emozioni dal loro contesto personale e costruisco invece scenari e personaggi che possano elaborare quei sentimenti al posto mio. In Visitor, mi piace pensare a ogni brano come a una piccola vignetta: personaggi diversi che affrontano le stesse emozioni, ma in modi differenti.”

“Le texture sonore dell’album sembrano quasi visive. Come avete lavorato sulla produzione e sulla costruzione dell’immaginario?”

“Gran parte della produzione consisteva nel trovare suoni che corrispondessero alle immagini evocate dalla storia raccontata nella canzone. Credo che sia da qui che derivano le qualità testurali, anche se sento soprattutto una connessione visiva con certi suoni. A un certo punto, una volta stabiliti l’atmosfera e lo scheletro di un brano, si forma un’immagine nella mente, e sembra che tutti i piccoli dettagli siano già lì, pronti per essere scoperti più che inventati.

Dal punto di vista tecnico, registriamo e produciamo tutto in casa con un setup piuttosto essenziale. Per Visitor è stato divertente metterci alla prova, sperimentando con campionamenti e piccoli trucchi di registrazione per vedere quanto “grande” potesse suonare il disco nonostante i mezzi modesti. La spesa più importante è stata l’acquisto di un synth Korg Minilogue, che ha finito per definire molte delle texture e dei paesaggi sonori dell’album.”

“Guardando avanti, c’è una direzione sonora o progettuale che vi attira particolarmente?”

“Siamo sempre stati una band molto orientata allo studio, quindi ci piacerebbe iniziare a esplorare di più la dimensione performativa e della registrazione dal vivo. Usiamo molti effetti e campionamenti, e riuscire a portarne almeno una parte in un contesto live ci sembra una sfida interessante.

Gli ultimi due dischi sono stati progetti profondamente personali per me e Derek rispettivamente, e ci piacerebbe che il prossimo fosse un lavoro più collaborativo. Dal punto di vista sonoro, personalmente vorrei scrivere brani più dinamici. “Atop Your Shoulder” è stato uno degli ultimi pezzi scritti per l’album, quando molti degli altri erano già registrati. Mi piacerebbe scrivere più canzoni brevi e incisive come quella.”

Visitor è un album che nasce da un dolore privato e si apre verso un immaginario condiviso. È un disco fatto di personaggi che diventano specchi, di texture che sembrano fotogrammi, di emozioni che si trasformano in narrazione. Gli Yea Big costruiscono mondi interiori che parlano a chiunque abbia attraversato un periodo di incertezza, di paura, di trasformazione. E lo fanno con una sincerità che non ha bisogno di essere esplicita per essere profondamente sentita.

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English Version 🇺🇸

Visitor feels like one of the first true gems of the year for us, intimate, textured, and quietly powerful. What emotional landscape were you stepping into when you began shaping this record?  

The emotional landscape of this album sort of evolved as the production progressed. Originally, a lot of the songs were written to process very personal feelings of isolation and heartbreak during a particularly tumultuous time in my life. As recording progressed though, the focus shifted to more existential feelings of uncertainty and paranoia, stemming from instabilities here in the US. 

Your music often carries a sense of storytelling that isn’t always literal, but deeply felt. How do narrative ideas, memories, or personal images find their way into your compositions?  

The writing and composing started with the personal emotions, memories, etc., so they were always at the core of the songs. I’m insecure about wearing my heart on my sleeve in my lyrics, which I think is where the storytelling comes in. I’m more comfortable stripping my personal contexts from the emotions, and instead building scenarios and characters to work through those emotions for me. On Visitor, I like to think of each song as little vignettes of characters, all grappling with the same feelings but in different ways.    

The album has a very tactile, handcrafted quality, as if each sound has been placed with intention. What guided your choices in terms of texture, space, and production while working on Visitor?  

A lot of the production was finding sounds that match the visuals of the story being told in the song. I guess that’s where the textural qualities come in, though I feel a strong visual connection to certain sounds more than anything. At a certain point, once the mood and skeleton of a song is established, it puts a picture in your head, and it feels like all the little details are already there for you to discover rather than invent. On the technical side, we do all the recording and production in-house with a pretty barebones setup. For Visitor, it was fun challenging ourselves and experimenting with sampling and recording trickery to see how big of a sound we could get with our relatively modest setup. The biggest expense for the album was buying a Korg Minilogue synth, which ended up being responsible for a lot of the textures and oundscapes in the album.

Now that Visitor is out in the world, is there a sound, a question, or a creative thread you feel yourself moving toward next, even if it’s still taking shape?

We’ve always been a very studio-oriented band, so we would like to start exploring the performance/ live recording side of things more. We use a lot of effects and sampling in our music, and being able to carry at least some of that over into a live setting seems like a worthwhile undertaking. Our last two records were also deeply personal projects for Derek and I respectively, and we’d like our next project to be a more collaborative effort. Sound-wise, I’d personally like to write songs that are more dynamic. ‘Atop Your Shoulder’ was one of the later tracks of the album, written when a lot of the other songs were already recorded. I’d like to write more short n’ sweet songs like that.