Talk 2 Me – Lost in Kyiv – La Venticinquesima Ora

Band: Lost in Kyiv
Etichetta: Pelagic Records
Genere/Stile: Post-rock
Paese: Francia (Parigi)
Uscita: 19 Giugno 2026

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Lost in Kyiv sono una band che esalta il post-rock con una sensibilità narrativa rara. Ogni loro disco è un territorio della mente, un luogo dove emozioni e strutture si intrecciano, dove la musica diventa un modo per osservare ciò che spesso resta invisibile. Con We’re All Going To Be Fine entrano in una fase nuova della loro storia: una nuova formazione, un nuovo modo di scrivere, un nuovo modo di pensare il ritmo, persino un nuovo nome. Tutto converge in un album che affronta la salute mentale con una sincerità profonda, nata da esperienze personali e da momenti di discussione interni. Li abbiamo intervistati perché questo lavoro, oltre ad essere un’evoluzione musicale, è una trasformazione identitaria. La band ha scelto il tema prima delle note, immergendosi in un processo che esplora speranza e collasso, lucidità e smarrimento. Brani come Euphoria e Liminality diventano mappe emotive, costruite per rappresentare cambi di stato, disorientamenti, aperture improvvise.

Nel dialogo è emersa una scrittura che vive di istinto e di struttura: il loro “no-brain approach” lascia spazio all’inconscio, ma convive con un processo di selezione rigoroso, che distilla un grande numero di idee in un album breve ed essenziale. La ritmica è diventata un motore narrativo: la precisione digitale delle batterie programmate si intreccia con l’energia organica della registrazione live, generando melodie che nascono dal ritmo. La presenza di Jung e della psicologia del profondo apre un orizzonte più ampio: la band vede la mente come un luogo da esplorare con responsabilità, un punto di partenza per comprendere le tensioni del presente.

Questa intervista prova a entrare in quello spazio, a capire come si costruisce un disco che trasforma la fragilità in linguaggio.

Intervista

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L’album esplora la tensione tra speranza e collasso interiore, ma sempre con un senso di movimento e slancio in avanti. Come avete lavorato per tradurre questa tensione psicologica in forma musicale senza affidarvi alle dinamiche post-rock più familiari?

Di solito cerchiamo di scegliere il concetto o il tema di un album prima o all’inizio del processo di scrittura, perché ci aiuta a immergerci nel giusto stato mentale creativo. Sebbene il tema della salute mentale e della battaglia interiore non sia del tutto nuovo, è qualcosa che non avevamo mai esplorato così profondamente da una prospettiva interna, umana. Durante la scrittura, nelle nostre vite sono accaduti diversi eventi personali che risuonavano con questo tema, e ciò ha naturalmente alimentato la nostra ispirazione e ci ha aiutato a canalizzare queste emozioni. Non analizziamo eccessivamente ogni singolo riff o pattern, ma cerchiamo costantemente di tradurre quei sentimenti grezzi e visualizzare come questa dualità possa esistere musicalmente. Per esempio, il brano Euphoria è diviso in due fasi distinte, con un crollo improvviso tra due stati contrastanti. È una rappresentazione musicale della bipolarità, della capacità della mente di cambiare completamente in pochi secondi. Allo stesso modo, in Liminality volevamo flirtare costantemente con questi due stati, disorientando l’ascoltatore con melodie sovrapposte nel mix per creare una sensazione deliberata di perdita di orientamento.

La vostra musica sembra spesso muoversi sul confine tra conscio e inconscio, soprattutto nel modo in cui i motivi appaiono, si dissolvono e riemergono. Quanto del vostro processo di scrittura è intuitivo e quanto è invece plasmato da decisioni strutturali deliberate?

Esattamente così. È un’interazione costante tra conscio e inconscio. Operare per puro istinto, ciò che chiamiamo approccio “no-brain”, è essenziale nella nostra musica. Amiamo creare montagne russe emotive, bilanciando texture scure e pesanti con improvvisi raggi di luce. Per noi è anche incredibilmente importante costruire melodie memorabili, quasi cantabili, all’interno della complessità. Non abbiamo un metodo di scrittura rigido o unico in cui una persona detta tutto. Il nostro processo è super collaborativo e adattivo. A volte un brano è scritto quasi interamente da uno di noi, e se funziona, lo lasciamo così com’è. Altre volte una canzone nasce da una jam collettiva. Poiché non viviamo tutti nella stessa città, scambiamo idee costantemente. Comporta molto avanti-indietro, condivisione di file, discussione delle strutture e un ciclo di tentativi, errori e raffinamento. Curiosamente, questo è l’album per cui abbiamo scritto più materiale. Avevamo un enorme bacino di idee e le abbiamo filtrate deliberatamente per tenere solo le nostre assolute preferite. Paradossalmente, nonostante il maggior numero di sessioni di scrittura, è diventato il nostro album più breve.

Questo disco segna un momento di trasformazione per la band: una nuova formazione, una nuova identità ritmica, persino un cambiamento nel modo in cui vi presentate. Oltre agli aspetti pratici, cosa ha significato questa transizione per voi a livello artistico e personale?

Sembrava il momento perfetto. Eravamo incredibilmente entusiasti di scrivere questo primo album con Jérémie alla batteria; lavorare con lui ha portato una vera ventata di aria fresca. Ci ha permesso di scoprire nuove idee ritmiche e un modo completamente nuovo di lavorare. Dato che già volevamo evolvere il nostro processo di scrittura, il nostro stile musicale, il nostro suono complessivo e persino il nome della band (passando ufficialmente da Lost in Kiev a Lost in Kyiv), sembrava che tutte le stelle si fossero allineate per questi cambiamenti. Siamo una band che ama sperimentare e spingere i confini; non potevamo continuare a fare esattamente la stessa musica o usare lo stesso processo anno dopo anno. Avevamo bisogno di questa evoluzione sia a livello artistico che personale.

C’è un’interazione sorprendente tra precisione meccanica e fragilità umana nel linguaggio ritmico dell’album. Come affrontate il ritmo come strumento narrativo piuttosto che come semplice fondamento strutturale?

Con l’arrivo di Jérémie alla batteria, abbiamo spostato fortemente il nostro focus sul lato ritmico, attingendo alle sue influenze math-rock e post-metal. La “precisione meccanica” è iniziata proprio dal nostro processo di scrittura: poiché Jérémie vive a Tolosa e noi siamo basati a Parigi, ha programmato la maggior parte delle parti di batteria su Logic Pro. Lavorare su una griglia digitale gli ha permesso di uscire dalla sua zona di comfort fisica e sperimentare pattern intricati e inaspettati che forse non avremmo mai creato naturalmente in sala prove.

La “fragilità” è arrivata dopo, quando abbiamo portato quelle strutture digitali precise in studio. Registrare dal vivo con Amaury Sauvé a The Apiary ci ha permesso di iniettare energia grezza e organica nei brani. È stata anche una delle prime volte in cui un pattern ritmico è diventato il punto di partenza per trovare una melodia o un riff di chitarra; il ritmo stesso ci ha ispirato a creare melodie specifiche. È esattamente ciò che è accaduto con il riff pesante di Liminality, per esempio.

I vostri riferimenti a Jung, alla memoria e alla frammentazione psicologica aprono uno spazio concettuale molto ampio. Oltre alle influenze esplicite, quali domande emotive o esistenziali stavate cercando di affrontare personalmente mentre realizzavate We’re All Going To Be Fine?

Siamo tutti, in una certa misura, costretti a confrontarci con le nostre lotte interiori. Oggi sento che la nostra società moderna, con la sua ossessione per le apparenze, le conformità rigide, le pressioni sociali e la realtà imminente del collasso ambientale, amplifica solo questa frizione. La salute mentale è giustamente diventata una questione sociale critica. Per noi, esplorare questo tema non è stato solo un esercizio intellettuale; è stato profondamente personale. Noi, così come membri delle nostre famiglie più vicine, abbiamo dovuto affrontare queste difficoltà direttamente, a volte in modi molto gravi e dolorosi. Carl Gustav Jung è diventato una figura chiave sin dall’inizio del nostro processo creativo. Mentre ricercavamo questi temi, il suo lavoro sulla psicologia del profondo risuonava profondamente con ciò che stavamo vivendo. È per questo che abbiamo voluto inserire un campione della sua voce alla fine dell’album. Serve come perfetta culminazione del nostro messaggio: se rifiutiamo di guardare dentro e comprendere la psiche umana, ci dirigiamo verso il disastro. In definitiva, siamo la fonte della nostra stessa sofferenza e, per estensione, siamo la causa principale delle crisi globali e ambientali che affrontiamo oggi. Comprendere la nostra mente e lavorare su noi stessi non è solo importante: è una necessità esistenziale assoluta.

We’re All Going To Be Fine è un album intenso e che indubbiamente colpisce già al primo ascolto. Ogni brano è un passaggio, un tentativo di dare forma a ciò che spesso resta invisibile. Lost in Kyiv sottolineano i conflitti interiori, le fragilità, la complessità della mente umana.

Il loro messaggio è chiaro: la consapevolezza è un atto creativo. Guardare la propria ombra significa aprire spazio alla possibilità, riconoscere le crepe significa iniziare a costruire. In questo gesto ci sono i primi germi di una chiara forma di resistenza.

E forse anche una promessa di futuro.

Original Interview (English)

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The album explores the tension between hope and inner collapse, but always with a sense of movement and forward momentum. How did you work to translate this psychological tension into musical form without relying on familiar post-rock dynamics?

We usually try to choose the concept or theme of an album before or at the very beginning of the songwriting process, as it helps us immerse ourselves in the right creative headspace. While the theme of mental health and the inner battle is not entirely new, it’s something we had never explored so deeply from an internal, human perspective. During the writing process, several personal events occurred in our lives that resonated with this theme, which naturally fueled our inspiration and helped us channel these emotions. We don’t overanalyze every single riff or pattern, but we constantly try to translate those raw feelings and visualize how this duality can exist musically. For instance, the track “Euphoria” is divided into two distinct phases, with a sudden collapse between two contrasting states. It’s a musical representation of bipolarity, the capacity of the mind to shift entirely in just a few seconds. Similarly, on “Liminality”, we wanted to constantly flirt with these two states, disorienting the listener with overlapping melodies in the mix to create a deliberate sense of losing one’s bearings.

Your music often feels like it’s navigating the border between the conscious and the unconscious, especially in the way motifs appear, dissolve, and re-emerge. How much of your writing process is intuitive, and how much is shaped by deliberate structural decisions?

That is exactly it. It’s a constant interplay between the conscious and the unconscious. Operating on pure instinct, what we call the ‘no-brain’ approach, is essential in our music. We love creating an emotional rollercoaster, balancing dark, heavy textures with sudden rays of light. It’s also incredibly important to us to craft memorable, almost singable melodies amidst the complexity. We don’t have a rigid or single writing method where one person dictates everything. Our process is also super collaborative and adaptive. Sometimes, a track is written almost entirely by one of us, and if it feels right, we leave it untouched. Other times, a song is born out of a collective jam session. Since we don’t all live in the same city, we exchange ideas constantly. It involves a lot of back-and-forth, sharing files, discussing structures, and a cycle of trial, error, and refinement. Interestingly, this is the album for which we wrote the most material. We had a massive pool of ideas, and we deliberately filtered them down to keep only our absolute favorites. Paradoxically, despite having the most writing sessions, it ended up being our shortest album.

This record marks a moment of transformation for the band, a new lineup, a new rhythmic identity, even a shift in the way you present yourselves. Beyond the practical aspects, what did this transition mean for you on an artistic and personal level?

It felt like the perfect timing. We were incredibly excited to write this first album with Jérémie on drums; working with him brought a real breath of fresh air. It allowed us to discover new rhythmic ideas and a completely new way of working. Since we already wanted to evolve our writing process, our musical style, our overall sound, and even our band name (officially transitioning from ‘Lost in Kiev’ to ‘Lost in Kyiv’), it felt like all the stars had aligned for these changes. We are a band that loves to experiment and push boundaries; we couldn’t keep making the exact same music or using the exact same process year after year. We needed this evolution on both an artistic and personal level.

There’s a striking interplay between mechanical precision and human fragility in the album’s rhythmic language. How do you approach rhythm as a narrative tool rather than just a structural foundation?

With Jérémie’s arrival on drums, we shifted our focus heavily to the rhythmic side, drawing on his math-rock and post-metal influences. The “mechanical precision” actually started with our writing process: because Jérémie lives in Toulouse and we are based in Paris, he programmed most of the drum on Logic Pro first. Working on a digital grid allowed him to step out of his physical comfort zone and experiment with intricate, unexpected patterns we might never have naturally come up with in a rehearsal room.

The “fragility” came afterward, when we took those precise digital structures into the studio. Recording live with Amaury Sauvé at The Apiary allowed us to inject raw and organic energy into the tracks. It was also one of the first times that a rhythmic pattern became the starting point for finding a melody or a guitar riff; the rhythm itself inspired us to create specific melodies. This was exactly the case for the heavy riff on “Liminality”, for example.

Your references to Jung, memory, and psychological fragmentation open a wide conceptual space. Beyond the explicit influences, what emotional or existential questions were you personally trying to confront while making We’re All Going To Be Fine?

We are all, to some extent, forced to grapple with our own inner struggles. Today, I feel that our modern society – with its obsession with appearances, rigid conformities, societal pressures, and the looming reality of environmental collapse, only amplifies this friction. Mental health has rightfully become a critical societal issue. For us, exploring this wasn’t just an intellectual exercise; it was deeply personal. We, as well as members of our closest family circles, have had to confront these struggles directly, sometimes in very severe and painful ways. Carl Gustav Jung became a key figure early in our creative process. As we researched these themes, his work on depth psychology resonated deeply with what we were experiencing. This is why we wanted to feature a sample of his voice at the very end of the album. It serves as the perfect culmination of our message: if we refuse to look inward and understand the human psyche, we head toward disaster. Ultimately, we are the source of our own suffering, and by extension, we are the root cause of the global and environmental crises we face today. Understanding our own minds and working on ourselves is not just important; it is an absolute existential necessity.